Kosmische Tänzer: die tranceartigen Geschichten von Tangerine Dream

Dali! Hollywood! Faulen Eiern! Die deutschen Elektro-Rocker sprengten nicht nur musikalische Grenzen

Jeremy Blackmore

Spätherbst 1973: Ein denkmalgeschütztes englisches Herrenhaus tief in der Landschaft von Oxfordshire. Ein Trio unscheinbarer, langhaariger deutscher Musiker beugt sich über Reihen von Keyboards und Kabeln und kreiert den Sound der Zukunft.

Tangerine Dream nehmen ihr bahnbrechendes Album „Phaedra“ auf, das erste, das ihren mittlerweile klassischen, sequenzergesteuerten Sound enthält. Ihre frühen deutschen Aufnahmen, die zu Hause weitgehend ignoriert wurden, hatten ihnen eine britische Kult-Anhängerschaft und einen Champion in DJ John Peel eingebracht. Da kam Richard Branson ins Spiel, der ihnen einen Fünfjahresvertrag anbot. Sein junges Unternehmen Virgin Records hatte kürzlich mit Mike Oldfields „Tubular Bells“, das ebenfalls im Manor Studio in Shipton-on-Cherwell aufgenommen wurde, seinen ersten großen Erfolg erzielt.

Phaedra – ein Titel aus der griechischen Mythologie – erwies sich als Meilenstein der elektronischen und Ambient-Musik. Im Februar 1974 veröffentlicht, brachte es unerwarteten Charterfolg und Goldstatus in Großbritannien. Der Rolling Stone beschrieb es als „herausfordernd, jenseitig und fast unbeschreiblich schön“.

Für ihren Gründer Edgar Froese war es ein weiterer Schritt auf der lebenslangen Suche nach neuen musikalischen Ideen. Von denjenigen, die ihn am besten kannten, wurde Froese als Entdecker beschrieben. Er schuf eine revolutionäre neue Klangform, die als kosmische Musik bekannt ist und von britischen DJs lässig „Krautrock“ getauft wird.

Froese gab frühe Ausflüge in den Rock'n'Roll schnell auf und griff stattdessen auf Psychedelia, klassische Musik und die avantgardistischen Musique-Concrète-Experimente von Karlheinz Stockhausen und Pierre Schaeffer zurück. Dort stellte er fest, dass die strenge Unterscheidung zwischen Ton und Klang verschwunden war.

Während die gesellschaftliche Revolution in der Luft lag, boten die Werkzeuge, die die Erfindungen von Robert Moog boten, neue Möglichkeiten, neue Klänge zu erzeugen und Material rund um pulsierende, tranceartige Ambient-Rhythmen mithilfe von Synthesizern aufzubauen und dabei die typische Songstruktur des britischen und amerikanischen Rock und Pop aufzugeben.

Von der Gründung in Berlin in den späten 1960er Jahren bis zu seinem Tod im Jahr 2015 würde Froese mit einer wechselnden Besetzung über 100 Alben hinweg mit Tangerine Dream weiterhin musikalische Grenzen überschreiten. Das Erbe der Band wird unter der sorgfältigen Obhut von Froeses Witwe, der Managerin der Band, weitergeführt Künstlerin Bianca Froese-Acquaye und sein Schützling Thorsten Quaeschning, der 2003 beitrat und von seinem Mentor zum Thronfolger ernannt wurde. Die aktuelle Besetzung geht diesen Herbst auf eine ausgedehnte Tour.

In einem ausführlichen neuen Interview enthüllt Froese-Acquaye die kreativen Kräfte, die ihren Mann angetrieben haben: „Edgar war in erster Linie ein Suchender und gleichzeitig ein getriebener Mann. Das Finden neuer, anderer Klänge bedeutete für ihn die Erfüllung seiner immerwährenden Sehnsucht nach einem neuen Raum, in dem er sich wohlfühlte und zurückziehen konnte.

„Viele hielten ihn für mutig und immer offen für neue Wege der Klangerzeugung und neue Technologien, aber für Edgar war das nur normal und natürlich. Seine Motivation für die ständige Forschung war die Freude an der Kreativität, aber auch die Erfüllung einer seit seiner Kindheit bestehenden Sehnsucht, diese normale, oft banale, schmerzerzeugende bipolare Welt zu verlassen, um zumindest eine neue Art von Atmosphäre, erfüllt mit sogenannte kosmische Klänge, um den Alltag zu vergessen. Im Prinzip funktionierte Musik wie eine Art leichte Droge, sie katapultierte einen in andere traumhafte Sphären, allerdings ohne Nebenwirkungen.“

Das Gefühl, in der ummauerten Stadt West-Berlin eingesperrt aufzuwachsen, hatte großen Einfluss auf Froese und andere Kreative. Eine Bewegung, die später als „Berliner Schule“ bezeichnet wurde, schlug ihre Wurzeln im Zodiac Free Arts Lab, das von Froese als anarchisches Lokal beschrieben wurde, in dem sie willkürlich mit Klängen spielten. Wo das Unmögliche die einzige Idee war, die es wert war, diskutiert zu werden.

„Berlin war ein einzigartiger, isolierter Kosmos, aus dem viele noch unbekannte Dinge entstehen und wachsen konnten“, sagt Froese-Acquaye. „In dieser Stadt war alles möglich. Durch die beengte Lage umgeben von feindlichem Territorium wurde einem eher unbewusst die Macht gegeben, Grenzen zu überschreiten, Neues auszuprobieren, Trends zu setzen. Vor allem die 1960er, 70er und Nachkriegsjahre versetzten die Menschen und vor allem die Kreativen in Aufbruchstimmung und animierten sie zum freien Denken.

„Edgar war ein Kind seiner Zeit und er litt enorm unter der Spießigkeit der Generation seiner Eltern und Großeltern und musste sich klar dadurch abgrenzen, wie er war, wie er dachte, wofür er sich interessierte und wie er handelte. Edgar gehörte nie zum Mainstream. Schon als Kind und Jugendlicher war er eher isoliert und musste sich zwangsläufig musikalisch vom Mainstream distanzieren.“

Froese drückte sich zunächst durch Bildhauerei und bildende Kunst aus, fand aber in der Musik etwas Ungreifbareres. Angezogen von der wachsenden psychedelischen Bewegung, nahm er die Freiheit an, zu schreiben, was immer er fühlte, ohne die Last von Regeln oder Einschränkungen. Er erkannte, dass Drogen nur eine „vorübergehende Veränderung des Geistes“ bewirkten, und wurde schnell Vegetarier und verzichtete auf Kaffee und Alkohol.

Während die frühen Streifzüge im Zodiac nicht elektronisch waren, träumte Froese bereits von den Möglichkeiten, die sich durch die Technologie eröffneten, um künstliche Klänge, eine Intermodulation von Frequenzen, zu erzeugen.

Eine Einladung, auf seinen berühmten Gartenpartys für den großen surrealistischen Künstler Salvador Dalí zu spielen, war ein prägendes Erlebnis und öffnete ihm die Augen für die wahre Natur der Musik. In Dalís Villa war es, als hätte jemand die Zeit angehalten. Dort erkannte er, dass er seinen Ansatz ändern musste, anstatt sich auf strukturierte Klänge zu verlassen, um die „Pforten der Wahrnehmung“ zu öffnen.

Froese-Acquaye sagt, die Begegnung mit Dalí sei von großer Bedeutung gewesen: „Als er mit ihm durch seinen Olivenhain in Cadaqués spazierte, erzählte Dalí Edgar von seiner Faszination für Träume, die für ihn das Unbewusste widerspiegelten. In seinen berühmten Gemälden verarbeitete er diese Träume in höchster Perfektion. Als junger Mann las Edgar unter anderem viel Freud und CG Jung und wusste genau, wovon Dalí sprach. Das intensive Gespräch mit Dalí über das Surreale, das Traumhafte veranlasste Edgar beispielsweise dazu, das Wort „Dream“ in seinem Bandnamen zu verwenden.

„Edgar gelang es auch, einen Blick in Dalís Atelier zu werfen, wo sonst niemand Zutritt hatte. Er war sehr angetan von der Atmosphäre dort, den Gerüchen, den Farben und Dalís extremer Ordnung, die keine Rückschlüsse auf einen chaotischen, verrückten Künstler zuließ, wie Dalí zu seiner Zeit oft beschrieben wurde.“

Als Underground-Act in Berlin waren die ersten Jahre von Tangerine Dream hart, bis sie von Ohr Records das Angebot erhielten, ihr Debütalbum Electronic Meditation aufzunehmen. Die Entwicklung eines Stils brauchte Zeit, aber im Laufe der drei Alben – Alpha Centauri, Zeit und Atem –, die im Studio des Produzenten Dieter Dierks in Köln aufgenommen wurden, begannen sie, verstärkt Keyboards einzusetzen. Dieser neue Stil war spacig und atmosphärisch, einige Stücke wurden im Studio improvisiert, nicht reproduzierbare Dokumente von Momenten in der Zeit.

Peter Baumann, der bei den Zeit-Sessions erst 18 Jahre alt war, vervollständigte neben Froese und Christopher Franke die klassische Besetzung der Band. Während sie in den Ohr-Jahren nur wenige Geräte hatten, erwarben sie für Phaedra neben dem Mellotron mit ihrem Upgrade von Virgin einen modularen Moog-Synthesizer. Es wurde zu ihrem Markenzeichen.

Der Klang war eindeutig europäisch und stand in deutlichem Kontrast zur Musik, die aus Großbritannien oder Amerika stammte. Die Berliner Schule fand gemeinsame Sache mit der Düsseldorfer Schule, die den perkussiveren, industriellen elektronischen Sound von Can, Kraftwerk und Neu hervorbrachte! Außerhalb Deutschlands identifizierte Froese den französischen Pionier Jean-Michel Jarre als seinen musikalischen Seelenverwandten an der Spitze einer neuen Bewegung.

„Es war eine aufregende Zeit für Edgar“, sagt Froese-Acquaye. „Was die Leute nicht wissen oder wahrnehmen, ist, dass er ein eher bescheidener, zurückgezogener, eher introvertierter Typ war. Er war kein Frontschwein im klassischen Sinne, vor dem Publikum, wie es in Rockbands der Fall war. Er brauchte sich nicht ins Licht zu stellen und doch war er auf eine andere Art ein Anführer, Lehrer und Revolutionär.

„Er hatte ein extrem gutes Gespür, beispielsweise bei der Auswahl seiner Mitmusiker für die Band, den richtigen Riecher für Geschäftspartner und Konzertreisen, großes Verhandlungsgeschick und war generell ein Mensch, der ‚groß‘ dachte.“ Sein Credo war immer: „Die Musik ist der Star!“ Nicht seine Protagonisten. Er selbst fühlte sich wie eine Art „Durchlauferhitzer“, jemand, der versuchte, das, was ihm als intuitiver Input gegeben wurde, in Musik zu übersetzen.“

Froese-Acquaye weist darauf hin, dass das Vereinigte Königreich dem Kontinent hinsichtlich seiner Offenheit gegenüber anderen Genres voraus war, und erklärt, warum der Umzug nach Großbritannien so wichtig war. „Für die Band war es wichtig, Deutschland zu verlassen und im Ausland Anerkennung zu finden, um wiederum auch in Deutschland musikalische Anerkennung zu erfahren. Vielleicht kennen Sie das Sprichwort: „Der Prophet im eigenen Land zählt nichts.“ Genau so war es.

„Aus Edgars Sicht war Deutschland in den 1960er und 70er Jahren ein musikalisches Ödland. Bei den ersten Konzerten von TD wurde die Band noch mit Gemüse und faulen Eiern beworfen. In Deutschland gab es entweder nur klassische Musik, Schlager oder Volksmusik und bestenfalls Musikimporte aus Amerika oder Großbritannien.“

Sakrale Gebäude boten Mitte der 1970er-Jahre atemberaubende Kulissen für mehrere legendäre Aufführungen. Sie traten im Dezember 1974 in der Kathedrale von Reims vor 6.000 Menschen auf. Der Klang hallte durch das riesige hochgotische Gebäude, das nur von wenigen Lampen an der Decke beleuchtet wurde. Während der Vatikan zukünftige Auftritte in katholischen Räumen verbot, wurden sie von der anglikanischen Kirche willkommen geheißen und spielten wegweisende Shows in der Kathedrale von Coventry und im York Minster, wobei das Publikum in respektvoller Ehrfurcht zuhörte.

Tangerine Dream spielten zunächst mit dem Rücken zum Publikum, umgeben von einer Reihe von Geräten. Sie entschieden sich dafür, zu improvisieren, anstatt zu versuchen, ihre Studioaufnahmen nachzubilden, sodass jeder Auftritt einzigartig war. Diese Live-Kompositionen, erhältlich auf dem Label Cherry Red, bieten eine parallele Diskographie. Froese-Acquaye sagt: „Edgar sagte einmal scherzhaft: ‚Wir sind die bestbezahlte Übungsband der Welt!‘ Weil sie jedes Konzert mehr wie eine Probe empfanden.“

Tangerine Dream feierten 1975 mit Rubycon ihren größten Erfolg in den Charts. Sie entwickelten den sequenzergesteuerten Sound weiter, während Stratosfear aus dem Jahr 1976 den Beginn einer Entwicklung hin zu einem melodischeren und kompositorischeren Stil markierte.

Dieser auffällige neue Sound erwies sich für Hollywood-Regisseure, die Filmsoundtracks futuristische Texturen, Töne und Stimmungen hinzufügen wollten, zunehmend als attraktiv. 1977 lieferte Tangerine Dream die gefeierte Filmmusik für William Friedkins „Sorcerer“ und nahm im Laufe des nächsten Jahrzehnts Originalmusik für mehr als 20 Filme auf.

Eine umfassendere Veränderung lag in der Luft. Baumann verließ die Band 1977, und Johannes Schmoelling kam pünktlich zum historischen Auftritt der Band im Januar 1980 im Palast der Republik in Ost-Berlin hinzu, der ersten westlichen „Rock“-Band, die in der Deutschen Demokratischen Republik auftrat.

Die 1980er Jahre markierten den Aufschwung der digitalen Technologie. Für Froese ein Segen und ein Fluch. Nichts, was sie zuvor live gespielt hatten, war vollständig reproduzierbar. Seiner Meinung nach verloren sie mit der digitalen Technologie den Reiz der Unregelmäßigkeit im Klang. Der Exklusivitätsstatus im Genre der elektronischen Musik ging nach und nach verloren, obwohl sich Tangerine Dream stets von der Masse abhob.

Mit dem Weggang von Schmoelling und Franke zerfiel die Band weiter. Nach und nach lieferte eine jüngere Generation von Musikern neue Akzente für Froese.

Ab 2003 erhielt Quaeschning einen interessanten Einblick in Froeses Arbeitsweise. Im Laufe des nächsten Jahrzehnts verbrachte er jedes Jahr sechs Monate damit, in Froeses Studios in Österreich zu schreiben und aufzunehmen. Er fand einen Mann, der immer noch lernbegierig war und klare Visionen für seine Arbeit hatte. Möglicherweise wichtiger, als von einem Maestro etwas über Musik zu lernen, waren die Lebensratschläge, die Froese ihnen gab, als sie bis spät in die Nacht redeten.

„Wenn man mit Edgar zusammenlebt, lernt man als Erstes, dass man hart arbeiten muss“, erinnert sich Quaeschning. „Er hat jeden Tag gearbeitet. Es war nichts Besonderes, wenn man am 24. Dezember eine Dropbox-Einladung mit einem neuen Titel erhielt!

„Er war so ein interessanter Mensch. Er traf so viele Menschen und war einer der belesensten Menschen, die ich je getroffen habe. Er war ein unglaublich guter Lehrer und der Prototyp eines Chefs. Manchmal bestand das Problem darin, dass er jede Woche zu viele Ideen hatte. Es waren nicht viele Menschen um ihn herum. Die meiste Zeit waren es Bianca und ich. Unsere Aufgabe bestand manchmal darin, die Anzahl der Ideen zu filtern.“

Froese hatte sich auf die Zukunft vorbereitet. Er wollte, dass Quaeschning, der die Rolle des musikalischen Leiters übernommen hatte, das Erbe von Tangerine Dream fortführen würde. Er hinterließ sein gesamtes Archiv mit einer Fülle von Skizzen und nahezu vollständigen Arrangements, die die Gruppe entwickeln sollte. Es besteht Potenzial für weitere 30 Alben mit Beiträgen des Bandgründers, beginnend mit dem von der Kritik gefeierten Quantum Key aus dem Jahr 2017.

Durch die enge Zusammenarbeit ist Quaeschning gut aufgestellt, um sich in Froeses oft unorganisiertem Ablagesystem zurechtzufinden. Spannende neue Programme wie Melodyne bieten neue Möglichkeiten, selbst mit dem anspruchsvollsten polyphonen Material zu arbeiten und es in neue Kompositionen zu integrieren.

Im letztjährigen Raum wurden Echtzeitkompositionen kombiniert mit klassischen Studioproduktionen gezeigt; Sequenzergesteuerte, eindringliche Klanglandschaften wechselten sich mit hymnischen, warmen Synthesizern ab. Tangerine Dream führten es auf ihrer Tour 2022 zu einem begeisterten Empfang auf, einschließlich einer Rückkehr in die Kathedrale von Coventry, die Aufführungen wurden kürzlich in einer umfassenden Box festgehalten.

Die aktuelle Besetzung schöpft weiterhin Kraft und Inspiration aus dem musikalischen Erbe von Tangerine Dream. Quaeschning trägt gerne den Mantel: „Edgar war mein Meister, mein Chef, mein Lehrer. Er sagte: „Das ist das Konzept.“ Ich dachte, ja, das werde ich tun. Ich nehme es sehr ernst. So lange habe ich noch nie etwas gemacht. Deshalb gebe ich mein Bestes, denn das ist mein Leben.“

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